问题——如何以中国画笔墨回应时代与世界 当代艺术传播语境中，中国画如何既扎根传统又面向现实、既表现河山建设又描绘世界风情，是长期讨论的重要命题。将于2026年3月27日开幕的“我代山川而言——亚明写生作品展”，以“写生”这个最贴近生活与现场的创作方式切入，通过60余件作品梳理亚明跨越40年行旅写生的轨迹，试图回答“中国画能否、如何描绘世界”的实践问题。展览以国内与国外两条线索并置呈现，既展现其在不同地域中对山川气象、社会生活的体察，也呈现其笔墨语言在行走与观察中形成的变化与拓展。 原因——写生传统与时代需求共同推动艺术转向 亚明（1924—2002）成长于烽火岁月，青年时期投身革命并接受系统艺术教育，后成为江苏省国画院的重要艺术家与组织者。其艺术道路与新中国美术发展脉络紧密相连：一上，写生是中国画“外师造化”的传统要求，强调从自然与生活中获取生动气韵；另一方面，20世纪中叶以来的社会建设与文化发展呼唤美术工作者深入生活、记录时代，写生因此成为连接传统笔墨与现实题材的重要通道。 1960年，江苏省中国画写生工作团从南京出发开展为期三个月的写生行程，行程累计两万三千里。该行程由傅抱石、亚明等组织推动，汇聚老中青艺术力量，沿途参观、交流与创作，集中探讨“传统笔墨如何反映现实生活”的课题。这一背景不仅塑造了新金陵画派崛起的重要实践基础，也促使亚明从人物见长的创作结构中拓展视野，将山川风情、生产建设等题材纳入中国画表现范围。 影响——从“壮游写生”到“异域观察”，拓展中国画的表达边界 展览所呈现的时间跨度，从1960年至2000年，覆盖亚明从国内写生到国外行旅的关键阶段。其中，国内写生部分不仅体现其对祖国河山的描绘，也折射特定历史时期对建设现场的关注。不容忽视的是，展览包含一组具有代表性的系列作品《钢铁捃拾集》，取材于钢铁企业参观写生，以水墨渲染与留白关系呈现“铁水钢花”的光影与氛围，体现其对“传统分类”边界的突破意识：作品既非单纯人物，也非传统山水，而是在时代题材与笔墨结构之间寻找新的平衡点，反映出中国画语言对工业场景的适应与再造能力。 国外写生则深入扩大了其观察维度。自上世纪50年代初首次出国后，亚明在此后数十年间行走近20个国家，累积写生创作数量可观。其创作特点在于坚持毛笔与宣纸等中国画基本媒介，同时以开放态度吸收对构图、色彩、空间等规律的研究成果，将不同地域的山川气质与人文风情纳入笔墨叙事之中。这一实践在客观上说明，中国画并不必然受制于题材边界，关键在于艺术家如何以本体语言完成对新对象的理解与转译。 对策——以展览叙事激活公共阅读，推动传统资源当代表达 从策展思路看，本次展览以“明信片式的时间与空间传递”为隐喻，将写生作品视为从历史现场“寄来”的图像记录，引导观众通过画面进入创作情境，理解艺术家的行走、观察与情感经验。这种叙事方式有助于降低传统艺术的理解门槛，使观众从“看风景”进一步走向“读时代”，并在作品之间建立起“旅途—观察—语言—风格”的逻辑链条。 就城市公共文化供给而言，在北京画院美术馆推出系统性梳理写生主题的个案展，有助于完善以学术研究支撑展陈、以公共教育促进传播的工作闭环。下一步，围绕重点作品的文献整理、写生路线与历史语境的解读、以及公众参与式教育活动的开展，将增强展览的知识含量与社会触达度，使写生传统从“艺术史概念”转化为可感可知的公共文化经验。 前景——在更广阔的交流中呈现中国画的开放性与当代价值 当下，文化交流与文明互鉴日益深化，视觉艺术的跨文化沟通能力愈发重要。亚明以中国画笔墨描绘世界风景的实践，为中国美术提供了可借鉴的路径：既坚持语言根性，又主动面对现实与世界；既尊重传统方法，又在现场写生中推动形式更新。展览在北京呈现其跨地域写生图景，有望引发对“中国画如何走向更广阔天地”的再思考，并促使公众重新理解写生在艺术创新中的基础地位。
一幅写生不仅是风景的记录，更具有一个时代的精神与视角。将行走的体验转化为笔墨结构，将不同地域的风貌融入同一支毛笔之下，既考验传统的韧性，也检验创新的诚意。回望亚明的写生实践，我们得以思考：真正的传承不在于重复过去，而在于不断走向生活、走向世界。