一部舞剧的文化使命 舞剧《醒·狮》以鸦片战争时期广州三元里人民的抗英斗争为历史背景，讲述两名醒狮少年从对手到团结、召唤民众共同抵御外敌的故事。
舞台上，11名女舞蹈演员手中的鼓槌挥舞着红绸，粤语喊出的《胜利歌》与高亢的唢呐、高胡乐声交织回荡。
18名男演员舞起9头醒狮，当巨型醒狮造型睁开双眼、目光如炬的瞬间，全场掌声雷动。
这不仅是一场视觉盛宴，更是一次民族精神的深刻诠释。
醒狮作为广东最具代表性的文化符号，一百多年前被广东人民赋予了新的内涵。
面对积贫积弱的中国，人们将谐音"瑞狮"的醒狮改名为"醒狮"，意欲唤醒民心、振作国魂。
这部舞剧正是对这一文化精神内核的艺术化呈现，展现了南粤人民和中华儿女的精神觉醒。
十年磨一戏的艺术坚守 从2015年构思创排小舞剧《醒》，到大型舞剧《醒·狮》的问世，主创团队经历了"剧本十三易其稿，大小近90次修改"的过程。
2018年首演后获得中国舞蹈界最高奖荷花奖，2019年冲击文华奖失利，到2025年最终圆梦获得文华剧目奖。
这个十年的历程充分体现了艺术创作者们对精品的执着追求和对民族文化的深刻思考。
将市井民俗转化为舞台艺术并非易事。
舞剧中融入了大头佛、木鱼歌、鸡公榄、英歌槌等众多岭南文化符号。
为了确保艺术呈现的真实性和专业性，主创团队请来广东醒狮国家级非遗代表性传承人赵伟斌和全国武术冠军马小斌为演员进行了两三个月的集训。
演员们付出的代价是巨大的。
凡舞醒狮者必先学南拳，南拳的许多技法是醒狮表演的动作内核。
清廷颁布禁武令后，岭南武者曾以"以舞藏武"的智慧延续武学，如今演员们需要重新掌握这一技艺。
舞蹈队队长姚家鑫回忆，2021年入团时"上午打拳、下午舞狮子，三个月里从早到晚就只干这一件事"。
这与舞蹈演员平时的训练方式完全不同，既枯燥又艰苦，但正是这样的重复训练形成了肌肉记忆。
血泪浸润的舞台艺术 表演中的大段南拳和舞狮段落对演员的体能提出了极限挑战。
主演庞冠宇在演前50场时，基本每场都会累到抽筋。
为了自如地舞动十几斤重的狮头，这位并不喜欢力量训练的演员还是坚持到健身房举杠铃。
2018年8月中旬，距离首演还有一个多月时进行的第一次联排成为一个转折点。
此前演员们的体能根本无法支撑全场演出。
总导演、艺术总监史前进回忆道，联排后"到后台去看，人全趴在垫子上，伤痕累累、惨不忍睹"。
有的演员腿磕破了、有的脑袋流血了、有的缝针了、有的打了封闭。
执行导演闫一研形容自己那段时间的膝盖"跟花棉袄似的，青一块紫一块的"。
第一次联排结束后，在场所有审查的领导和主创起立为演员们鼓掌。
这一刻，许多演员抱头痛哭，地上汗水和泪水融在一起。
这不仅是对体力极限的挑战，更是对意志品质的锤炼。
文化自信的现实意义 舞剧《醒·狮》在醒狮起源地佛山的巡演具有特殊意义。
在祖庙黄飞鸿纪念馆前，每天都有络绎不绝的游客慕名来欣赏醒狮表演。
这部作品通过艺术形式，让传统文化符号在当代舞台上焕发新生，也让更多人在观看中感受到了民族精神的力量。
作为国家级非遗项目的醒狮文化，在当代仍然根植于岭南大地，寄托着人们吉祥如意的期许。
舞剧《醒·狮》的创作和演出，既是对这一传统艺术的尊重和传承，也是对民族历史记忆的唤醒。
在全球化浪潮中，这样的文化自信显得尤为珍贵。
醒狮之“醒”，不仅在鼓点与腾跃之间，更在对历史的记忆、对精神的传承、对当下的回应之中。
当一部舞剧回到醒狮故里引发共鸣，它所唤起的既是地方文化的自信，也是对“何以中国”的再一次追问与回答。
让传统在当代被看见、被理解、被热爱，需要耐心与敬畏，也需要持续的创造与坚守。